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7 写出胜券在握的剧本（第2页）

内景，更衣室——日

但是，如果绿湾包装工队跟芝加哥熊队#pageNote#2打比赛怎么办？我们到

底是在朗博球场的更衣室，还是军人球场的更衣室？不能用同样的场景信息来指代两个不同的位置。这样不仅读者会产生困惑，你的制作团队也会想杀了你。

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角色描述

经验不足的编剧经常会落入这样的陷阱，就是对角色的描述过多，远远超过了需要的和应有的程度。请记住，角色描述通常是没法拍出来的，所以你在这儿写的东西，基本都不可能真的拍到电影里去。那么你为什么还要写呢？记住，不要去描写角色的外貌细节，除非这个细节会对故事产生影响。为什么？因为当你把一个角色描述为“胖子”时，最适合演他的演员可能偏偏骨瘦如柴。你描述一个角色是蓝眼睛，但最后可能是一个长着绿眼睛的演员更适合他。如果你写的是一部体育题材的电影，主角是一支篮球场上的弱队，那可能要涉及球员们的身高。至于眼睛和头发的颜色……就不必写了。他们皮肤的光滑程度？除非你的故事里需要他们去拍香皂广告，否则也不必了。角色的揭示是通过他们的动作和对于刺激的反应来完成的，不是通过你的描述。少即是多，这条原则几乎永远成立。当你的电影进入了筹备阶段，制作团队会把角色试镜片段发给各个演员经纪人。除了给出大概的年龄范围之外，这些试镜片段从不会涉及你的描述，而是基于这个人物在故事

里扮演的角色，以及他们的性格和态度。

最后，按照本书的指导原则，检查一下你的角色，看看从演员的角度出发，应该怎样描述这些角色。演员是你的创作伙伴，他们能为你的角色注入生命，所以你要尽量尊重他们。不要觉得剧本里只有角色描述就够了，就能代替对角色的深层洞察。如果在你的剧本里，你形容一个女人时只会说她“火辣”，那么可能是你对这个人物的塑造还不到位。如果在你笔下，主角哥哥的形象仅仅是个“肥屌丝”，那么你不是在揭示这个角色，而是暴露了自己作为编剧，工作还没做到位。从角色出现在你剧本中的那一刻起，你就要尊重他们，还要充分理解角色描述的作用和它的局限性。

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动作

读者的目光从场景信息转向动作，然后再转向对话。你不应该打断这个过程。动作很重要，一小段描述也可以很重要，但不要过度。要控制你自己，主要写那些能拍出来的描述。要简洁。所以不要写：

他摸向后兜，拿出钱包，掏出一张5美元的钞票，交给了她。

换成这样如何：

他掏出钱包，递给她5美元。

如果你无法决定什么该写，什么该舍弃，那就想象一下你正在向一位朋友描述这个场景。听起来会是什么样呢？剧本中的动作细节，不应该超过你给朋友讲故事时的描述。把重要的细节留下就行了，剩

下的都舍弃。

当然，不同类型的剧本，对于动作和描述的写法也不一样。迈克·米尔斯的《二十世纪女人》（20thturyWomen）这样一部安静的剧情片，跟《神奇女侠》这样特效主导的超级英雄电影，二者的剧本是非常不同的。给朋友讲故事这个测试方法，在这里同样适用。《神奇女侠》的正邪较量里充满了高风险桥段，描述的基调（不管是在字面上还是在对话中）也反映出了这一点。而《二十世纪女人》讲的是三个不同年龄段的女性，一起面对“如何帮助一个男孩成长”这个问题。整部电影本质上是一段加长的对话，就像端着红酒坐在沙发上娓娓道来。你描述动作时的基调，应该跟整部电影的总体基调相吻合。但在任何情况下，都要把对角色的描述控制在必要的范围内。记住，你的读者随时都在找理由不往下读。不要给他们这个机会。要保持故事一直向前推进，并随之对角色作出更多的揭示。

最后，作为编剧，你的工作已经够重要了，所以不要试图在剧本里替其他岗位做他们的工作。如果你不是导演或摄影师，就不要管镜头的事。虽然给角色和故事增加丰富性和质感非常重要，但能区分出什么是有意义的特征，什么是越俎代庖（干涉导演、艺术指导或服装设计，或配乐师的工作），也同样很重

要。需要你写的，是那些会对角色和故事产生影响，并且有助于捕捉剧本基调的细节。但如果你在剧本里先把影片导演了一遍，指挥未来的创作伙伴们干这干那，那么等你需要把别人拉进这个项目里来的时候，就会遇到很大的困难。再次强调，要从他们的视角来看你的剧本。让他们用自己的才能和创意，给你的故事和角色注入生命，不要剥夺他们的这个机会。他们比你更了解他们自己的工作，让他们去发挥。保持动作之间紧密衔接，保持情节的推进。接着把读者的目光从动作拉到对白上，这样他们在不知不觉中就读完了你的剧本。任务完成!

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对白

如果你之前一直在勤勤恳恳地做各项准备工作，现在应该都做完了，终于有机会去写包含对白的完整场景了，一定感觉很愉快吧。一页剧情简介、人物动作表、大纲或详情里的描述，都无法捕捉对白最终揭示的东西，那就是让角色的声音成为现实。如果你足够敏锐，并且能理解角色各自的视角，就肯定能写出充分反映角色态度和性格的优秀对白。你需要做的就是这些。但这意味着，你不能让角色们听起来都是同一个调调。你的故事发生在哪里，你的角色从事什么工作，这些都无所谓。但每个角色都应该有他自己的声音。你可能要花一些时间，甚至要改好几稿，才能找到一

个角色的声音，这没关系。但如果所有的角色说话都是一个样，那你的剧本读起来就会很单调，很假。下面是一个测试：读一遍你写的场景，从一个人的对白直接到下一个人，但不要看说话人是谁。你能分辨出哪句话是哪个角色说的吗？如果不能，就说明你还有些工作要做。尼尔·西蒙#pageNote#3说过，绝对不要让两个角色可以互相交换台词。如果两个角色能用同样的方式说出同样的话，就说明他们在本质上是无法区分的。那为什么要把他们俩都写进你的电影里呢？你了解你的故事，也了解你的角色。你要想办法通过对白给每个人都赋予一种独特的声音。

另一个忠告：正如不能过度描写动作一样，你也不能过度描写对白。如果真的需要，隔一会儿就来一段对白也不是不行，但最好还是少一点，间隔长一点。我们曾经合作过一个制片人，她的秘诀是“一指原则”。如果一段对话看起来比较长，她就会伸出一根手指测量，超出一指范围之外的内容都会被砍掉。这吓坏了她的编剧（包括我们），因此，一定要尽量去写简洁而克制的对白。

对白的基调应该与影片整体保持一致。不管你写的是什么，加入幽默感总是件好事。一个具有幽默感的角色，几乎能让任何类型和情境受益。但如果过于恶搞，而你写的又不是一部恶搞喜剧（broad

edy），那就会让读者失去兴趣。“不要让读者失去兴趣”是让剧本胜券在握的首要原则。

我们俩13岁相识，从15岁起一直是最好的朋友。现在我们在一起时，还是会用小时候聊天的方式跟对方说话。有时候这个习惯也会出现在写作中，这成了一个问题，导致我们有时候分不清有趣和荒唐。所以让你信任的人提前读一读你的剧本片段会很有帮助，也许仅仅是第一幕，这样能确保你做的准备工作得到了良好的执行。

你多半会希望你的对白能像其他元素一样，为剧本的推进而服务。这指的不仅是故事的推进和角色的揭示，还包括在读者心中所激发的热情。想一想，你跟朋友们在日常生活中会引用哪些电影里的名言？这些句子抓住了一种别人捕捉不到的感觉或情境。你的目标是写出让人觉得真实的对白，也就是要比我们日常的对话更聪明一点点、更搞笑一点点，或更深刻一点点。但不要聪明得太多，否则会让人觉得太假、太做作，要聪明得恰到好处，这样才能让观众走出电影院时，觉得你写的东西抓住了他们的感受，而且比他们自己说得更好。